Jian Yoo : la nacre comme langage, entre lumière, matière et émotions

Certaines matières portent en elles une histoire qui dépasse leur apparence. Elles témoignent d'un héritage, d'un savoir-faire et d'une relation particulière au temps. Pour l'artiste coréenne Jian Yoo, la nacre est bien plus qu'un matériau : elle constitue un véritable langage artistique, à travers lequel elle explore la lumière, le mouvement et les émotions qui façonnent notre expérience du monde.

Fille d'un artisan spécialisé dans le travail de la nacre, Jian Yoo a grandi au contact de cette matière et des gestes minutieux nécessaires à sa transformation. Une familiarité acquise dès l'enfance, qui a progressivement nourri sa propre recherche artistique. Aujourd'hui, elle s'approprie ce matériau traditionnel avec une approche singulière, proche de celle du peintre, en jouant sur les couleurs naturelles, les reflets irisés et l'agencement de fragments de nacre.

À la croisée de la peinture, de la sculpture et de l'objet, ses œuvres évoluent selon la lumière, le point de vue et l'environnement dans lequel elles prennent place. Derrière leur apparente immobilité se dessine une recherche autour du mouvement, des sensations et des liens invisibles qui unissent les éléments entre eux.

Pour HORMÊ, Jian Yoo revient sur son parcours, l'influence de son histoire familiale et sa relation à la matière. Une conversation sur le geste, le temps et la beauté, mais aussi sur ce qui demeure imperceptible au premier regard.

Rencontre avec Jian Yoo

HORMÊ — Avant de parler de votre travail, j'aimerais comprendre la personne qui se trouve derrière celui-ci. Quelles expériences, quels lieux ou quelles rencontres ont façonné votre regard sur le monde ?

Ma vision du monde s'est construite au fil de nombreuses expériences, d'émotions et de relations, plutôt qu'à partir d'un événement ou d'une rencontre en particulier.

Nous traversons tous des expériences différentes, ressentons des émotions, nouons des relations et évoluons avec le temps. Des événements qui peuvent nous sembler insignifiants sur le moment prennent parfois un tout autre sens par la suite. Peu à peu, ces moments s'entrelacent et façonnent à la fois ce que nous devenons et notre manière de percevoir le monde.

Je m'intéresse à ces liens invisibles entre les expériences, les émotions et les relations, ainsi qu'à la manière dont ils s'accumulent et s'influencent mutuellement au fil du temps. Cette perception du monde se retrouve également dans mon travail.

HORMÊ — Y a-t-il quelque chose dans votre enfance, votre histoire familiale ou votre héritage culturel qui s'est discrètement inscrit dans votre travail ?

Mon père dirigeait un atelier de travail de la nacre avant même ma naissance. Cette matière a donc fait partie de mon quotidien bien avant que je commence à l'utiliser dans ma propre pratique artistique.

L'atelier occupait une place familière dans mon enfance. J'ai grandi en observant différentes pièces prendre forme et en découvrant le soin et la précision des artisans, dont les gestes s'étaient affinés au fil de nombreuses années. À l'époque, tout cela me semblait parfaitement naturel. Avec le recul, je comprends à quel point ces expériences ont façonné ma perception des matériaux et le respect que je porte aux savoir-faire artisanaux.

HORMÊ — Votre travail témoigne d'une grande sensibilité et d'un sens aigu de l'observation. Ces qualités ont-elles toujours fait partie de votre personnalité ou votre pratique artistique vous a-t-elle appris à les cultiver ?

Je pense que la sensibilité a toujours fait partie de moi. Mon travail d'artiste m'a appris à être davantage attentive à ces ressentis. Je me demande souvent pourquoi un moment particulier reste en moi et ce qui, précisément, m'a touchée.

En explorant ces émotions plus en profondeur, une impression d'abord diffuse devient progressivement plus claire et commence à prendre forme à travers les couleurs, les formes et l'atmosphère générale d'une œuvre.

HORMÊ — Qu'est-ce qui vous a initialement attirée vers le travail des matériaux et des objets ? Y a-t-il eu un moment particulier où vous avez compris que la création pouvait devenir un moyen d'expression personnelle ?

J'aimais beaucoup dessiner lorsque j'étais enfant et j'ai toujours été attirée par la possibilité d'exprimer visuellement mes pensées et mes émotions. Il n'y a pas eu de moment particulier où j'ai compris que la création pouvait devenir un moyen de m'exprimer. Cet intérêt s'est simplement développé au fil du temps, jusqu'à devenir la pratique artistique qui est aujourd'hui la mienne.

Le dessin m'a progressivement conduite à explorer d'autres matériaux et d'autres formes. J'étais particulièrement intéressée par la possibilité de donner une expression visible à des sentiments et à des sensations difficiles à traduire par les mots. Faire de la nacre, une matière qui m'était familière depuis l'enfance, mon propre médium artistique s'inscrivait dans cette démarche.

HORMÊ — Vous travaillez avec des matériaux qui possèdent une présence physique et une histoire qui leur sont propres. Comment naît une œuvre : d'une idée, d'une matière, d'une forme ou peut-être d'une émotion ?

Mon travail naît généralement d'un sentiment ou d'une impression qui persiste en moi, parfois aussi d'une image qui me vient à l'esprit. À partir de là, je cherche progressivement à définir ce que je souhaite exprimer. La forme, les couleurs et la composition se développent à mesure que l'idée se précise.

La nacre constitue un médium essentiel pour donner forme à ces idées. Elle possède une longue histoire en Corée, mais je l'aborde un peu comme un peintre travaille la peinture.

Les sensations que je souhaite exprimer ne peuvent être appréhendées dans leur totalité en un seul regard. La nacre possède une propriété similaire : elle ne révèle jamais tous ses aspects depuis un point de vue unique. Cette particularité me permet de traduire ces sensations par strates successives. À travers les couleurs, la lumière de la matière et la manière dont ses fragments sont assemblés, une première émotion ou une image initiale devient progressivement une œuvre achevée.

HORMÊ — Quelle place accordez-vous à la maîtrise de la matière dans votre processus créatif, et dans quelle mesure acceptez-vous également de vous laisser guider par elle ?

Je définis la forme, les couleurs et la composition générale de chaque œuvre, en tenant compte des teintes naturelles et de l'iridescence de la nacre que je sélectionne. Je réfléchis attentivement à la manière dont les fragments s'assemblent ou s'espacent afin de créer différentes densités de couleur et une impression de mouvement à travers la lumière. Au fil de la réalisation, il m'arrive d'ajuster certains détails en fonction des couleurs et des reflets qui apparaissent.

Pour autant, je ne peux jamais anticiper complètement la manière dont la nacre réagira à la lumière. Même lorsqu'une œuvre est achevée exactement comme je l'avais imaginée, elle peut révéler des couleurs et une profondeur inattendues dans un environnement différent. J'aime cette capacité qu'a la matière de dévoiler de nouveaux aspects, même une fois l'œuvre terminée.

HORMÊ — Que représente pour vous la notion d'imperfection ? Est-ce quelque chose qu'il convient de corriger ou, au contraire, ce qui peut conférer à un objet son caractère et son humanité ?

Je ne considère pas chaque imperfection comme un défaut à corriger. Les différences entre les éléments et les variations inattendues peuvent parfois apporter du caractère et une certaine vitalité à une œuvre.

Bien entendu, je cherche toujours à atteindre le niveau de raffinement que j'ai en tête et j'effectue les ajustements nécessaires lorsque cela s'impose. Mais rendre chaque élément identique ou parfaitement conforme à ce qui était prévu ne conduit pas nécessairement au meilleur résultat. Ce qui compte pour moi, c'est la manière dont les qualités propres à chaque élément dialoguent au sein de l'ensemble, et les nouvelles possibilités d'expression que ces différences peuvent faire naître.

HORMÊ — Vos pièces se situent souvent à la frontière de la sculpture, de l'objet et du design. Envisagez-vous consciemment ces différentes catégories ou préférez-vous vous affranchir de leurs frontières ?

Je réfléchis attentivement aux différentes possibilités qu'offrent la peinture, la sculpture et l'objet. Une même matière peut susciter des expériences très différentes selon qu'elle est travaillée sur une surface plane ou dans un volume tridimensionnel, notamment dans sa manière de capter la lumière.

Je choisis la forme qui me permet le mieux d'exprimer ce que j'ai en tête. Je suis consciente de ces différentes catégories, mais je ne pense pas qu'une œuvre doive nécessairement appartenir à une seule d'entre elles. Ce qui importe, c'est ce que je peux exprimer à travers la forme choisie.

HORMÊ — Votre travail invite le regardeur à découvrir vos œuvres depuis différentes perspectives. Qu'est-ce qui vous intéresse dans la relation entre une œuvre et celui qui la contemple ? Qu'espérez-vous que chacun retire de cette expérience ?

Je souhaite que mon travail se révèle progressivement, plutôt que de tout dévoiler d'emblée. Le temps qu'une personne consacre à une œuvre et ce qu'elle découvre en prenant le temps de l'observer sont importants pour moi. Un pas en avant, un pas en arrière ou un simple changement de position peuvent modifier ses couleurs, sa profondeur et l'impression générale qu'elle dégage.

Une même personne peut découvrir plusieurs fois une œuvre et y percevoir quelque chose de différent à chaque occasion. Certains seront attirés par ses couleurs et sa lumière, tandis que d'autres s'attacheront davantage aux formes et à la sensation de mouvement. J'aime que chaque regardeur puisse trouver sa propre manière d'entrer en relation avec l'œuvre.

HORMÊ — L'espace joue également un rôle important dans la manière dont vos œuvres sont perçues. Comment envisagez-vous le dialogue entre vos pièces et les lieux qui les accueillent ?

Je considère l'espace comme une composante à part entière de l'expérience de l'œuvre, et non comme un simple décor. Une même pièce peut être ressentie très différemment selon la lumière, l'espace qui l'entoure et l'endroit où elle est installée.

Ce qui m'intéresse, c'est que cette relation fonctionne dans les deux sens. Un espace transforme notre perception d'une œuvre, mais l'œuvre peut également modifier l'atmosphère du lieu. Chaque fois qu'une pièce prend place dans un nouvel environnement, elle donne naissance à une expérience différente.

HORMÊ — Existe-t-il des matériaux que vous n'avez pas encore explorés et qui suscitent particulièrement votre curiosité ?

Je suis toujours curieuse de découvrir de nouveaux matériaux, mais leur nouveauté n'est pas une fin en soi. Ce qui compte, c'est ce que je peux exprimer à travers eux.

Même après avoir travaillé la nacre pendant de nombreuses années, je continue d'y découvrir des possibilités que je n'ai pas encore explorées. Je souhaite élargir encore son potentiel expressif, notamment en l'associant à d'autres matériaux et en expérimentant de nouvelles formes.

HORMÊ — Où trouvez-vous votre inspiration en dehors du monde de l'art et du design ? Y a-t-il des artistes, des artisans, des architectes, des écrivains ou simplement des expériences du quotidien qui ont profondément influencé votre regard ?

La nature constitue une source d'inspiration importante pour moi. Je trouve de la beauté dans la manière dont les paysages et la lumière évoluent au fil des saisons, ainsi que dans les transformations permanentes et les cycles naturels.

Mais l'inspiration peut aussi naître de moments très ordinaires : une scène que je remarque au détour d'une journée, une rencontre ou une émotion qui continue de m'habiter par la suite. Ces expériences s'accumulent au fil du temps et il arrive que l'une d'entre elles devienne le point de départ d'une nouvelle œuvre.

HORMÊ — Votre rapport à votre propre travail a-t-il évolué au fil du développement de votre pratique artistique ?

Mon regard sur mon travail est resté relativement constant, mais les idées que je souhaite exprimer ont gagné en profondeur et en clarté au fil de ma pratique.

Les émotions et les centres d'intérêt qui m'ont initialement attirée vers l'art sont toujours présents. Cependant, à mesure que je crée de nouvelles œuvres, je réfléchis plus attentivement à ce que je souhaite exprimer et à la manière de le traduire pleinement dans chacune d'elles. Ce processus m'a ouvert de nouvelles perspectives de travail et m'a permis de découvrir des possibilités que je n'avais pas envisagées auparavant.

HORMÊ — Pensez-vous que le fait de créer à la main puisse encore constituer une forme de résistance dans un monde de plus en plus façonné par la vitesse, la technologie et la production de masse ?

Je ne considère pas nécessairement le travail à la main comme une forme de résistance à la technologie ou à la production de masse. Les nouvelles technologies ouvrent leurs propres perspectives, tandis que certaines réalisations ne sont possibles que grâce à des compétences développées et affinées pendant de nombreuses années.

Mon travail repose sur la précision de gestes artisanaux, transmis et perfectionnés au fil des générations. Mais la technique n'est pas une finalité en soi : elle constitue un moyen de donner forme à une intention artistique. Ce qui m'intéresse davantage, c'est ce que ces savoir-faire accumulés peuvent rendre possible aujourd'hui, plutôt que de préserver une méthode traditionnelle pour elle-même.

HORMÊ — Le temps semble occuper une place particulière dans votre travail, sous différentes formes. Que représente-t-il pour vous en tant qu'artiste ?

Pour moi, le temps ne se résume pas à quelque chose qui passe. C'est une force qui permet aux choses de s'accumuler et de se transformer.

Plusieurs temporalités se rencontrent dans mon travail : le temps nécessaire à la formation de la nacre dans la nature, les générations de connaissances et de savoir-faire qui la précèdent, ainsi que le temps qu'une personne consacre à contempler l'œuvre achevée.

Ces temporalités sont très différentes, et pourtant elles coexistent au sein d'une même œuvre. Cette coexistence a beaucoup de sens pour moi.

HORMÊ — Lorsque vous regardez votre travail aujourd'hui, existe-t-il une pièce qui occupe une place particulièrement importante à vos yeux, peut-être parce qu'elle a marqué un tournant dans votre pratique ?

Les séries WAVE et Eternal Flow occupent une place particulièrement importante pour moi, car elles m'ont ouvert de nouvelles possibilités d'expression dans la continuité de mes recherches artistiques.

J'avais déjà exploré la lumière, le mouvement et la vitalité dans des œuvres tridimensionnelles, notamment avec les séries The Moon et Moonlight, inspirées des formes des moon jars. Avec WAVE et Eternal Flow, j'ai pu laisser le mouvement se déployer plus librement sur une surface plane, sans être contrainte par les contours d'une forme particulière. J'ai ainsi pu jouer sur les couleurs, la lumière, l'agencement et la densité des fragments de nacre pour exprimer le mouvement et l'énergie de manière nouvelle.

Il ne s'agissait pas simplement d'un changement de format. Ces séries m'ont offert une plus grande liberté pour exprimer un univers intérieur façonné par l'accumulation de sensations, d'émotions et par le passage du temps.

HORMÊ — Que signifie la beauté pour vous ? Est-ce quelque chose que vous recherchez consciemment ou qui émerge au fil du processus créatif ?

Je pense que chacun possède sa propre manière de voir et de ressentir le monde. Il existe une beauté particulière lorsque ces qualités s'expriment d'une façon qui leur est véritablement propre.

Pour moi, la beauté apparaît lorsque ma manière de voir et de ressentir le monde s'exprime pleinement dans mon travail. Je la recherche consciemment. Je réfléchis attentivement aux couleurs, aux formes et à la lumière qui me permettront de traduire mes émotions et mes expériences d'une manière qui me soit fidèle.

HORMÊ — Pensez-vous que la beauté puisse exister sans la perfection ?

Oui. Je pense que certaines choses sont précisément belles parce qu'elles sont imparfaites. Mais qu'est-ce que la perfection, au fond, et qui peut en définir les critères ? Parfois, c'est justement une différence ou un détail inattendu qui rend quelque chose particulièrement beau.

Je cherche toujours à atteindre le niveau de raffinement que je souhaite pour mon travail, mais le raffinement et la perfection sont deux notions distinctes. Ce qui compte pour moi, ce n'est pas qu'une œuvre réponde à une norme préétablie, mais qu'elle puisse révéler pleinement sa beauté singulière.

HORMÊ — Si vous ne pouviez transmettre qu'une seule chose de votre pratique aux générations futures, quelle serait-elle ?

Si je pouvais transmettre une seule idée aux générations futures à travers mon travail, ce serait celle qu'il existe toujours de nouvelles possibilités, même dans les choses que nous pensons déjà connaître.

Deux personnes peuvent regarder une même chose et y voir quelque chose de totalement différent, puis l'exprimer chacune à leur manière. J'espère que mon travail pourra témoigner de cette liberté et de cette ouverture des possibles.

HORMÊ — Qu'aimeriez-vous que le public comprenne de votre travail, au-delà de ce qui est immédiatement perceptible ?

J'espère que le public saura dépasser la beauté immédiate de la nacre pour s'intéresser aux relations qui se tissent entre les différents éléments composant une œuvre.

Chaque fragment possède sa propre couleur et sa propre lumière. Sa position, tout comme les éléments qui l'entourent, modifie le mouvement de l'ensemble. Je travaille avec ces différences et ces relations pour créer une profondeur et une vitalité qu'aucun fragment ne pourrait produire à lui seul.

Cette approche rejoint ma manière de percevoir le monde. Tout comme nous sommes façonnés par nos expériences, nos émotions et nos relations avec les autres, les différents éléments de mon travail s'unissent pour créer quelque chose qu'aucun d'entre eux ne pourrait former individuellement.

HORMÊ — Pour conclure, lorsque vous observez votre pratique aujourd'hui, qu'est-ce que vous cherchez encore à explorer à travers votre travail ?

Je continue d'explorer la manière de traduire des sensations et une énergie invisibles au sein d'une forme unique et silencieuse. Je souhaite condenser la vitalité ressentie à un instant précis dans une forme immobile, tout en permettant à cette sensation de rester vivante pour celui ou celle qui découvre l'œuvre.

À mesure que je poursuis mon travail, l'univers que je souhaite exprimer ne cesse de s'élargir. Je veux explorer jusqu'où je peux approfondir cet univers, avec quelle justesse je peux lui donner forme et quelle part de cette vitalité une œuvre achevée peut continuer à transmettre.

Au-delà du visible

Dans le travail de Jian Yoo, la nacre devient un langage à part entière. À travers ses fragments, ses reflets et ses subtiles variations, l'artiste explore les relations qui donnent naissance à un ensemble, et cette idée que le tout peut révéler bien davantage que la somme de ses parties.

Ses œuvres nous rappellent que notre perception n'est jamais figée. La lumière évolue, les perspectives se déplacent et ce que nous pensions connaître peut, à tout instant, révéler une dimension inattendue. Elles invitent à ralentir, à prendre le temps de regarder et à accueillir ce qui ne se dévoile pas nécessairement au premier regard.

C'est peut-être là que réside l'essence de sa démarche : rendre perceptible ce qui échappe à une observation immédiate, sans jamais imposer une interprétation unique. Car si chaque fragment possède ses propres caractéristiques, c'est dans la relation qu'il entretient avec les autres que naît une nouvelle forme de vitalité.

À travers son travail, Jian Yoo nous rappelle ainsi que la beauté ne réside pas uniquement dans ce que nous voyons, mais également dans les liens, les nuances et les possibilités que nous prenons le temps de découvrir.